Bizcocho de chocolate negro y avellanas

Hace una semana mi horno convencional cayó en coma profundo. Entre manos tenía la masa para un bizcocho de chocolate y, al ver que el horno no arrancaba, decidí hacerlo en el microondas. Aunque no era la primera vez que usaba el micro para mis postres, no esperaba que el resultado fuera tan bueno.

La receta es similar a la de otros bizcochos que he puesto aquí. En este caso mis ingredientes fueron: 300 gramos de harina integral, 200 gramos de azúcar moreno integral, un yogur natural desnatado, un vaso grande de leche desnatada, medio vasito de aceite de girasol, un puñado de avellanas, cuatro pastillas de chocolate negro 85% de cacao (unos 40 gramos) y medio sobre de levadura de repostería.

En un bol se echa el yogur y se mezcla con la leche y el aceite, hasta integrarlo bien. El chocolate se derrite en el microondas unos durante unos 20 segundos y se añade a la mezcla. Después se va echando el azúcar, la harina y la levadura removiendo bien. Por último se ponen las avellanas picadas, que se pueden tostar un poco en el microondas si se quiere. Si la masa queda muy espesa se puede añadir un poco más de leche, sin dejar de remover para que se integre bien.

Se introduce la mezcla en un molde apto para microondas (yo usé uno de silicona) y se hornea a máxima temperatura durante ocho minutos, dejándolo reposar dentro del microondas cuando se apague cinco minutos más. No conviene que se pase el tiempo porque sino el bizcocho quedará demasiado duro. Aunque por fuera parezca que no está cocido, se puede pinchar con un palillo para comprobarlo. Si necesita más cocción se puede volver a poner un minuto, comprobando siempre que no se quede duro. Se deja enfriar un poco antes de desmoldar y se decora con azúcar glass o como se desee.

La foto de abajo corresponde a otro bizcocho hecho también en el microondas con la misma receta de base pero utilizando tres claras de huevo batidas en lugar del yogur, nueces en vez de avellanas y dos cucharadas de cacao en polvo en sustitución del chocolate. Por cierto, a los cuatro días mi horno eléctrico volvió a la vida… Seguro que temió verse desplazado por el microondas y prefirió retomar su puesto en la cocina :D

Babel

Llevaba bastante tiempo deseando ver “Babel” y no es que me haya decepcionado pero sinceramente esperaba un poco más de lo que he encontrado. “Amores perros” me abrió a la experiencia del cine del director mexicano Alejandro González Iñárritu, y hoy por hoy continúa siendo ésa mi película preferida de su filmografía. Quizás haya algún spoiler en esta entrada.

“Babel”, rodada en 2006 vuelve a utilizar los mismos recursos narrativos que ya vimos en “Amores perros”, entrecruzando de nuevo historias, personajes y azares de la vida. En este caso, los protagonistas de estas historias se sitúan al límite de la desesperación y la impotencia: una familia marroquí implicada en un desafortunado accidente con un rifle, una joven sordomuda japonesa falta de cariño, un matrimonio norteamericano que pretende recomponer los pedazos de su vida rota tras la pérdida de uno de sus hijos, para lo que deciden realizar un exótico viaje de trágicas consecuencias, mientras sus otros dos pequeños quedan al cuidado de una nana mexicana que se encontrará de frente con la deportación por culpa de la mala suerte.

En efecto, mucha mala suerte y fatales coincidencias se dan cita en esta película que resulta muy intensa pero que se queda a medio camino en su objetivo por alcanzar la plena emoción. El argumento promete pero no acaba de explotar y tampoco cierra todos los círculos que abre, además de añadir algunas escenas superfluas que aportan muy poco y alargan sin motivo el metraje. Sí que se alcanza la cima en su intención por mostrar las desigualdades sociales, aunque para ello tenga que tirar también en ocasiones de algún que otro tópico y las manidas historias que nos llegan de los lugares de origen de los protagonistas.

Está claro que no se cuenta nada original y que la mayor parte de lo que ocurre en la película es de todo punto previsible, pero al estar bien narrado consigue en conjunto un buen resultado. Quizás la historia más difícil de encajar sea la de Chieko, la chica japonesa de familia acomodada que sufre la soledad no sólo por su condición de sordomuda sino por la muerte de su madre. Su comportamiento es chocante y la mayoría de las veces no se llegan a comprender sus intenciones, buscando sexo para tapar los agujeros de amor que hay en su vida, aunque quizás leyendo el lenguaje de signos se pudiera atisbar algo más en esas actitudes. Sin esa traducción la historia aparece un tanto forzada y alejada del tono de las demás, sin la misma onda de conexión.

Aún así, en general es una película notable, entretenida y emotiva, técnicamente muy correcta, con una fotografía impecable y unas interpretaciones maravillosas, con el tirón que da la presencia del siempre resolutivo Brad Pitt y la sorprendente actuación de la actriz japonesa Rinko Kikuchi en su papel de sordomuda. El hecho de que en España la película se comercialice doblada supongo que hará que pierda gran parte de su intención, puesto que en el original cada fragmento está grabado en el idioma correspondiente ayudando con ello a amplificar el efecto “Torre de Babel”.

La estructura de historias entrecruzadas comienza a hacerse aburrida, por lo que desde mi punto de vista las colaboraciones en esta línea de Iñárritu con el guionista Guillermo Arriaga deben tocar a su fin. En “Amores perros” era original, siguiendo la estela de las películas independientes de mediados de los noventa, pero ahora se hace necesario un cambio en la narración para ofrecer algo nuevo y diferente a los espectadores.

Para mí no es la mejor de Iñárritu pero sí un buen ejemplo del talento que posee este joven director. El film ganó un Oscar a la mejor banda sonora, aunque también estaba nominada en otras seis categorías incluida la de Mejor Película, Dirección y Guión Original.

Nancy Sinatra

Ya que la semana pasada hablé sobre la canción “These boots are made for walkin’” he decidido que esta semana suene por aquí para aquellos que no la conozcan. Este tema fue el primer éxito de Nancy Sinatra, hija del fallecido cantante y actor Frank Sinatra. Nancy lo grabó por primera vez en 1966, aunque ya por entonces había hecho sus pinitos en la esfera artística de la mano de su famoso padre.

La canción fue número uno en las listas de Estados Unidos y fue adoptada por los soldados americanos que tomaban parte en la Guerra de Vietnam como himno para sus marchas. De hecho, Nancy Sinatra se desplazó hasta Vietnam a finales de los sesenta para cantar a las unidades destacadas allí. La canción sonaba también en la película de Stanley Kubrick “La chaqueta metálica”, de 1987, una de las mejores producciones realizadas sobre la Guerra de Vietnam.

El tema original compuesto por Lee Hazlewood fue grabado posteriormente por él mismo y por otros grandes artistas como The Supremes, Nick Cave, Jewel, Billy Ray Cyrus, Boy George o Antonio Banderas, este último interpretando al Gato con Botas para un extra del DVD de la película “Shrek 2” de 2004.

Entre las versiones más destacadas en los últimos años también se encuentra la que Jessica Simpson hizo en 2005 para la película “Dos chalados y muchas curvas”. Para esta ocasión se reescribió gran parte de la letra y se lanzó la canción como promoción para la película, acompañado por un vídeo repleto de guiños sexuales, prohibido en varios países como Israel, Turquía, India o Malasia. A mí personalmente la versión de Simpson no me gusta nada, el vídeo me parece una auténtica calentura y, aunque no he visto la película, intuyo que tampoco será una obra maestra.

Aparte de esta canción, otros temas de Nancy Sinatra se han hecho famosos años después de su grabación por aparecer en películas, como es el caso de “Bang, bang (my baby shot me down)” que fue recuperado por Quentin Tarantino para “Kill Bill: Vol. 1” en 2003, aunque ya en 1967 Nancy había cantado el tema principal de la película de James Bond “Sólo se vive dos veces”. En 2001 Robbie Williams incluyó en su disco de aquel año una versión del “Something stupid”, que Frank Sinatra había interpretado con su hija Nancy en 1967. En este homenaje fue la actriz australiana Nicole Kidman, recientemente iniciada en la música gracias a la película “Moulin Rouge!”, la encargada de poner voz femenina a la canción.

Prizee.com

Desde que hace algunos años me tocó un CD de música soul en un concurso por internet suelo participar en sorteos y juegos que no requieran demasiado esfuerzo. Hace ya unos meses encontré la web de Prizee.com, una página francesa de juegos flash indicada sobre todo para público infantil pero capaz de entretener un rato a usuarios de cualquier edad.

El viernes pasado recibí mi primer regalo por jugar en Prizee y me hacía ilusión ponerlo aquí :D Me enviaron un llavero Irapike, que es uno de los personajes protagonistas de los juegos, concretamente una ranita. El envío tardó aproximadamente veinte días en llegar desde el día en que lo gané y resultó del todo satisfactorio. Lo mandan desde Francia sin gastos de envío, en un sobre acolchado y dentro de una funda, acompañado de una tarjeta de agradecimiento y una pegatina con los animalitos del club (Irapike, Blublú, Dulzín y Diábolo).

Tras inscribirte en Prizee dispones de 12 juegos gratuitos al día, con una partida disponible en cada uno. Con cada juego vas añadiendo puntos a tu cofre, para luego poder canjearlos por regalos. Si quieres optar a más partidas deberás comprar un pack a través de mensaje SMS (no sé exactamente cuánto cuestan, creo que cada mensaje es un euro y cada pack te añade 15 partidas, o algo así).

Los juegos son muy facilitos, como digo muy indicados para niños (es que yo soy como una niña… pero sin el “como”), con gráficos muy vistosos y algunos con historias entretenidas para ir completando. En Prizee premiarán tu fidelidad también con nuevos juegos y cuantos más puntos consigas, más ventajas tendrás como miembro especial. Yo juego en total unos veinte minutos al día, que es lo que me lleva completar todos los juegos gratuitos de que dispongo.

El llavero lo conseguí en un juego de estilo “rasca y gana” con la política de amigos: puedes llevarte el mismo regalo que ganen los amigos de tu lista. El llavero es de los regalos más baratos, pero también hay peluches, material de oficina, accesorios de playa, relojes, películas en DVD, juegos de ordenador y otros objetos más valiosos como ordenadores portátiles, iPods o consolas, aunque estos últimos sólo disponibles para los residentes en Francia y Bélgica. Mi siguiente objetivo es un peluche Blublú. Cuando lo consiga os lo diré :D

La dignidad de Eurovisión

Si hace unas cuantas semanas nos hubieran dicho que el chiki chiki iba a quedar en el puesto 16 del Festival de Eurovisión, todos hubiéramos firmado sin dudarlo. El miedo al ridículo era tal que muchos temíamos quedarnos a cero puntos en la clasificación, como en algunas de las peores participaciones de la historia de España en la contienda eurovisiva.

Rodolfo Chikilicuatre quedó finalmente en ese puesto 16 de 25 participantes, con 55 puntos. Entre otros países, nos votaron los de siempre: Andorra (12 puntos), Portugal (10 puntos), Grecia (8 puntos), Francia, Suiza y algún otro estado que colaboró con un par de puntitos. La edición de este año la ganó por primera vez Rusia, que llevaba ya varios años rozando el podium.

Hagamos un poquito de historia. España lleva participando ininterrumpidamente en el Festival de Eurovisión desde 1961, iniciando esta andadura con Conchita Bautista y la canción “Estando contigo”. A lo largo de los años, artistas tan reconocidos de la esfera clásica como Raphael, Massiel, Julio Iglesias, Paloma San Basilio o Mocedades han tomado parte en este evento musical, llegando a vencer en dos ocasiones hasta el momento: la primera vez en 1968 con el archifamoso “La, la, la” de Massiel, y al año siguiente con Salomé interpretando “Vivo cantando”, aunque esta última empatada con los representantes de Francia, Países Bajos y Reino Unido.

El país que más veces ha ganado Eurovisión es Irlanda, con un total de siete victorias, seguido por Reino Unido, Luxemburgo y Francia, cada uno con cinco. Precisamente este año Irlanda ni siquiera pasó de semifinales por su intento de añadir un toque friki a su actuación (similar al español, diría yo), con el pavo de gomaespuma Dustin interpretando un horrible tema discotequero. En los últimos años el dominio de los países del este, de reciente incorporación al mapa europeo, ha sido la nota más destacada del evento. Rusia este año, Serbia el anterior, Estonia, Letonia o Ucrania son algunos de los nuevos estados que han ganado el festival en este siglo.

Pero en la historia de España parece que han sido más los fracasos musicales que los éxitos, aunque los números no sean tan alarmistas. De nuestras 48 participaciones, en cuatro ocasiones hemos quedado los últimos y en tres además no hemos recibido ningún punto. Para comparar, Noruega ha quedado última en diez ocasiones (cuatro de ellas con rosco) y Bélgica y Finlandia en ocho, por lo que tampoco parece tan mala nuestra estadística.

“Baila el chiki chiki” ha superado con sus 55 puntos a las participaciones de 2007 (D’Nash), 2006 (Las Ketchup) y 2005 (Son de Sol), aunque no ha conseguido acercarse a los aceptables puestos conseguidos cuando se elegía al representante para Eurovisión entre los participantes de Operación Triunfo (séptimo puesto en 2002 con Rosa, octavo con Beth en 2003 y décimo con Ramón al año siguiente). Tampoco ha estado cerca de los peores… los cero puntos de Remedios Amaya en el 83 con “Quién maneja mi barca” (canción muy infravalorada en su momento) o el solitario punto de Lydia en 1999 con el tema “No quiero escuchar” (la canción era mala, pero el vestido era peor, creo firmemente que no le votaron por eso :P).

Tenemos que irnos bastante atrás para encontrar mejores posiciones de España en Eurovisión. En 1995 Anabel Conde quedó segunda con la canción “Vuelve conmigo” y en el 91 Sergio Dalma había conseguido un cuarto puesto con “Bailar pegados”. El grupo Bravo logró alcanzar la tercera posición en 1984 con el tema “Lady, lady”, y tendríamos que avanzar hasta 1979 para encontrar otro segundo puesto con Betty Missiego y “Su canción”. En general tampoco fue tan bueno antes para que ahora digan que es pésimo. Más bien nos hemos mantenido en un discreto medio de la tabla durante casi todos nuestros años de presencia en Eurovisión.

Al final, ni tan bueno ni tan malo, como casi todo, aunque yo insisto en que hubiera preferido que fuera “La casa azul” nuestro representante. La participación de Chikilicuatre quedará en la historia de Eurovisión como un cachondeo que pasó sin pena ni gloria. El chiki chiki no trascenderá más allá de los coletazos de las imitaciones y las versiones, y esperemos que el año que viene decidan elegir con seriedad a un candidato que tenga posibilidades reales de acercarse a la victoria… aunque luego consiga lo mismo que el chiki chiki.

La invasión del Chiki Chiki

Antes de que sepamos el resultado del Festival de Eurovisión que se celebra esta noche, el “chiki chiki” se ha convertido ya en un fenómeno de masas. En internet el tema ha generado multitud de versiones, vídeos y montajes. Uno de ellos es el de Chikilicuatre en Second Life, con el vídeo que podéis ver arriba.

Además, Siniestro Total se han currado un temazo en plan chiki chiki rock que hace un par de días puso Angus en su blog, que parece ser que los gallegos interpretaron en el programa de Buenafuente (yo es que no lo veo, pertenezco a ese 1% de población que no lo considera gracioso.

En un concurso de robótica un representante español presentó un robot programado para bailar el chiki chiki. El documento es impresionante, lo podéis ver aquí.

No sé si Rodolfo Chikilicuatre necesitará suerte para esta noche, pero el hecho de que hayan eliminado en la primera semifinal al pollo de gomaespuma que representaba a Irlanda, Dustin, no es una noticia muy halagüeña para la friki avanzadilla española. A ver qué ocurre, que el chiki chiki mola mogollón… dicen :P

These Boots Are Made For Walking

... And that's just what they'll do

One of these days these boots

are gonna walk all over you.

Hoy necesitaba reafirmación personal :)

Gracias a todos por estar ahí.

Hotel California

Ya que la semana pasada dediqué la entrada musical a The Eagles, esta semana he querido homenajear su tema más conocido, “Hotel California”, recordando una de las mejores versiones que se han hecho. Aunque muchos no estén de acuerdo, la interpretación de “Hotel California” que hizo el grupo Gipsy Kings en 1988 resultó un digno trabajo que fusionó el sonido clásico de los rockeros americanos con los aires flamencos más tradicionales de la rumba catalana.

Gipsy Kings, formado por dos familias gitanas españolas pero afincadas en Francia, tuvo con “Hotel California” uno de sus mayores éxitos. La canción retomó gran popularidad cuando los hermanos Coen la incluyeron en la banda sonora de su película de 1998 “El gran Lebowski”. La escena es memorable, con un John Turturro impagable como protagonista.

Pero este no fue el único grupo que realizó covers de este tema de The Eagles. El nigeriano Majek Fashek también cantó la canción pero dándole su propio estilo reagge, en otro ejemplo claro de que cuando la base es buena, cualquier forma de interpretarla quedará bien. La voz de Fashek es muy similar a la de Bob Marley, por el que el artista está muy influenciado. Eso ha causado a veces confusión sobre la autoría real de esta versión de “Hotel California”.

En 1999 la banda californiana SkaDaddyZ también hizo su personal cover de la canción en género ska-punk. Y por si faltara algo, los australianos The Cat Empire también cantaron “Hotel California” en francés, dándole un aire más bohemio dentro del sonido también ska que caracteriza a este joven grupo.

Otros muchos artistas han incluido versiones de este tema de los Eagles en sus discos, como homenaje a una de las mejores canciones de todos los tiempos, reconocida así por su gran calidad y sus enormes ventas a lo largo de los años. Personalmente sigo prefiriendo la versión de Gipsy Kings, casi al mismo nivel de la original, y por eso la he elegido para que suene esta semana.

SL: Arte real, arte virtual

Hace un par de días encontré en Second Life una exposición de un fotógrafo español, Vircha Kerouac, situada en un museo del Callidora Art Park de la isla Callidora. Estas exposiciones y galerías de arte son bastante comunes dentro de SL y constituyen una de las formas más habituales de expresión de los artistas que están inmersos en este mundo virtual.

Para formar parte de la comunidad ciudadana de Second Life es importante disponer de unos ingresos con los que poder interactuar en ese entorno. Muchos usuarios se dedican en este mundo a actividades que posiblemente nunca ejercerían en su vida real (prostitución, striptease, modelaje) mientras que otros hacen de SL una extensión o un complemento de su trabajo diario (diseño, arte, música). Los artistas eligen Second Life para promocionarse, como un medio más para darse a conocer y difundir su obra, tan válido como hacer exposiciones físicas y que, sin embargo, tiene la ventaja de no estar limitado por fronteras territoriales.

El asturiano Vircha Kerouac mostraba en su exposición fotografías digitales coloreadas de paisajes, sobre todo de Asturias y Andalucía. En su trabajo prima un gran abanico de colores y una fuerte expresividad visual, basándose en escenas de la vida diaria. En su flickr aparecen además fotos del día a día en Second Life.

En internet encontré también su página web como el fotógrafo real Rafa Balbín, con imágenes preciosas y muy originales. Muchas de esas fotografías son las mismas que muestra en Second Life, de las que vende reproducciones en forma de cuadro para decorar las viviendas virtuales a unos precios de entre 100 y 300 $Linden (alrededor de un euro). La gran mayoría de los creadores de SL utilizan sus obras de este modo para generar ingresos virtuales, aunque para todos suele ser casi más importante utilizar esta plataforma como trampolín hacia su trabajo real e introducirse así en nuevos círculos artísticos y culturales.

Dungeon Runners

Como en las últimas semanas he estado bastante ocupada con el trabajo y el estudio de las oposiciones, había abandonado casi por completo los juegos online. No quería engancharme a ninguno por miedo a que me robaran demasiado tiempo, pero aún así, instalé un par para probarlos y ver si podría jugarlos en el futuro.

Uno de los que más me ha convencido es Dungeon Runners, un MMORPG (Massive Multiplayer Online Role Playing Game) muy simple de los que en el círculo de jugadores denominaríamos “mata-mata”. Con una base muy fiel al clásico Dungeon & Dragons, este juego propone algo tan básico como ir matando bichos que soltarán dinero y objetos para equiparte o vender en la ciudad, subir de nivel con la experiencia que te dan esos monstruos y comprar habilidades según tu clase para aumentar tu potencial ofensivo.

El juego está estructurado de un modo típico: tres clases a elegir (mago, guerrero o ranger), puntos de atributo con cada nuevo nivel que el jugador debe distribuir a su antojo y una serie de habilidades específicas de carácter mágico para utilizar en las batallas. Ofrece la posibilidad de jugar en grupo o solo, algo que para mí es fantástico porque me permite gestionar a mi antojo el tiempo de conexión. Las quests o búsquedas son simples recolecciones de objetos en la mayoría de los casos por lo que tampoco precisan un especial esfuerzo o atención. Este juego tampoco tiene sistema de tradeskills (cocina, sastrería, joyería…) como el Everquest o el World of Warcraft, por lo que no existe tampoco la complicación de buscar recetas y tener que “farmear” ingredientes.

Dungeon Runners es un juego gratuito pero, como muchos otros en los últimos tiempos, tiene la opción de suscribirse como miembro para obtener algunos beneficios adicionales. Los miembros que paguen cinco dólares al mes tienen acceso a más y mejores objetos, más espacio en el banco, otras facilidades de inventario y un servidor propio con ciertas ventajas. En los servidores libres no hay demasiado lag y se puede jugar bastante bien incluso los fines de semana.

En el tiempo que llevo jugando, poco más de un mes a ratitos, he alcanzado el nivel 36 (de los 100 niveles posibles) con mi personaje ranger, tengo un equipo bastante decente y, aunque cuesta lo suyo subir cada nivel, en cuanto se domina un poco el entorno es fácil avanzar en el juego. En la mayoría de las zonas, salvo en unas cuantas específicas, no se pierde experiencia al morir, por lo que la única penalización es el tiempo empleado en tener que volver al sitio donde se luchaba desde la ciudad.

En general es un juego muy entretenido, con unos gráficos correctos muy del estilo de los de Diablo II, Lineage II o cualquier otro juego similar en perspectiva de tercera persona. Resulta muy intuitivo en los controles y con guías de juego muy claras, además de una página web muy completa. Es en definitiva un juego ideal para el que no se quiera complicar mucho la vida pero desee liberar un poco de adrenalina cargándose esqueletos, ratas, arañas y otros habituales moradores de los dungeons de ayer, de hoy y de siempre :P

The Eagles

The Eagles tiene en su haber ser uno de los grupos que más discos ha vendido en la historia, situando su “Their Greatest Hits (1971-1975)” en el tercer puesto de la lista de ventas de todos los tiempos con 29 millones de copias, tras el “Thriller” de Michael Jackson y el “Back in Black” de AC/DC. Esta banda californiana, formada a principios de los setenta, ha sido y es un referente indispensable para el rock americano.

Con influencias del country, el bluegrass y el pop más suave, The Eagles comenzaron su carrera con paso firme editando un disco por año desde 1972 a 1976. Es precisamente en este último año cuando sale al mercado el que sería su mejor álbum, “Hotel California”, que tuvo un éxito fulgurante y fue premiado con un Grammy por el tema que da título al disco.

En pleno apogeo, la banda publica en 1979 un nuevo disco con el que deciden poner punto final a su carrera como grupo. “The long run” marca el inicio de las trayectorias en solitario de varios de sus miembros y en los siguientes años el nombre de The Eagles se mantiene en el candelero gracias a las publicaciones de grandes éxitos que invaden los primeros puestos de las listas de ventas.

A mediados de los noventa se reunieron para retomar el proyecto Eagles, aunque sólo se dedicaron a hacer conciertos, editar recopilatorios y grabar DVDs. En 2007, con Glenn Frey, Don Henley (ambos miembros fundadores), Joe Walsh y Timothy Schmit en la formación publican “Long road out of Eden”, su primer trabajo con material nuevo desde la separación del grupo en 1979. En Estados Unidos llegaron enseguida al número uno de las listas de éxitos, desbancando a la superventas Britney Spears.

El tema que suena es su canción más conocida, “Hotel California”, que ha sido versionada en diversas ocasiones y se ha convertido en todo un clásico de la historia de la música.

Galletas de avena

Hacía tiempo que no probaba unas galletas tan ricas y tan fáciles de hacer como estas (aunque esté mal que yo lo diga, jaja). He de decir que no recuerdo donde vi la receta, pero hay varias similares en algunas páginas de cocina, con variaciones en los ingredientes combinados con la avena.

Mis ingredientes fueron: 150 gramos de harina integral, 100 gramos de copos de avena, 50 gramos de azúcar moreno integral, una cucharadita de vainilla azucarada, medio sobre de levadura de repostería, un chorro de aceite de girasol, un chorro generoso de miel, medio vaso de leche desnatada y dos pastillas de chocolate negro 85% de cacao en trocitos.

La mezcla es la básica para muchos postres: primero los ingredientes secos (harina, avena, azúcar, levadura) y luego se añade todo lo demás, removiendo bien hasta formar una pasta. Si queda muy seca se puede añadir un poco más de leche, aunque hay que tener en cuenta que la pasta de galletas no tiene que quedar nunca líquida ni demasiado ligada. Por último se añaden los trocitos de chocolate, se mezcla y se van formando las galletas sobre papel de horno en una bandeja.

Un truco de Adi para cortar mejor las galletas es hacer un rollo con la masa, envolverlo en film transparente o papel de aluminio y congelarlo durante 15 minutos. Al sacarlo se pueden cortar trozos con un cuchillo y colocarlos directamente en la bandeja. También se pueden coger porciones de masa, aplastarlas un poco y colocarlas igual, con un poco de separación porque crecerán bastante.

Tras precalentar el horno a 180º, se meten las galletas durante unos 10-12 minutos aproximadamente en la altura intermedia. Están más ricas un poco tostadas, porque quedarán más crujientes y aguantarán más sin ablandarse. Yo las conservé en una lata durante tres días, pero al final, aunque de sabor estaban buenísimas, ya estaban más blanditas al estilo de las pastas.

Este tipo de galletas admite un montón de variaciones. En la foto de arriba usé el chocolate que puse en los ingredientes, pero en la siguiente vez que las hice (foto inferior) utilicé orejones (que aún colean de Navidad, sí) cortados en pedacitos. Se les puede echar también nueces, pasas o cualquier otra cosa que nos guste siguiendo el mismo procedimiento.

El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde

Aunque casi todos conocemos la historia del Dr. Jekyll y Mr. Hyde, yo nunca había leído la novela de Robert Louis Stevenson, publicada por primera vez en 1886. A pesar de saber el final de la historia, el libro me cautivó desde el principio por su agilidad literaria y su gran originalidad. Los estudiosos comentan que es posible que la obra estuviera escrita bajo la influencia de una droga similar al LSD, que Stevenson tomaba por su mal estado de salud debido a la tuberculosis.

Puesto que es un argumento del que casi todo el mundo ha oído hablar, bien a través del libro o de sus múltiples adaptaciones teatrales o cinematográficas, no me extenderé demasiado en su explicación. La novela cuenta cómo el Dr. Utterson es testigo de la excepcional situación que vive su buen amigo el Dr. Jekyll, un profesional intachable que de repente comienza a actuar de modo extraño y a sufrir largas temporadas de retiro y enfermedad. Las indagaciones de Utterson terminan en un descubrimiento fatal: Jekyll confirma a través de una carta, escrita justo antes de su muerte, que ha estado experimentando con una mezcla de drogas y ha conseguido desdoblar su personalidad.

La parte “mala” del buen Jekyll fue bautizada como Mr. Hyde, un hombre capaz de los más atroces crímenes, de bajos pensamientos, libertino y amoral. Jekyll sufre una transformación corporal y mental cada vez que ingiere su pócima y su físico esbelto y fuerte a pesar de la edad pasa a convertirse en el pequeño, ágil y encorvado cuerpo de Hyde, que transmite repugnancia e inquietud al que lo ve y al que no reconocen ni sus propios criados. Por ello, el médico da órdenes de confiar plenamente en Hyde y tratarlo como si fuera de la familia en todo momento, hecho que hace desconfiar a su entorno por la naturaleza despreciable del hombre.

En este enlace de la wikipedia se analiza con más detenimiento el conflicto de este argumento, puesto que en la novela en ningún momento se aclara la naturaleza de los placeres "indignos" de Hyde ni sus aficiones perversas. Supongo que la moralidad de la Inglaterra victoriana limitaba el poder ser más explícito en cuanto a posibles variaciones sexuales o placeres terrenales ajenos a los religiosamente permitidos. Ahí, y en su violencia física, parece radicar la maldad de Edward Hyde.

El libro es una historia breve, de poco más de cien páginas, que se lee con mucha facilidad y que mantiene continuamente alerta al lector. Incluso conociendo el final, deseas leer sin pausa para ver la explicación detallada que da Henry Jekyll de su diabólica transformación y los motivos que le han movido a ello. Con unos pequeños ajustes, la novela está de total actualidad, sin dar aspecto de rancia salvo por unos cuantos detalles morales y de cortesía al uso de la época que hoy han quedado obsoletos. Un ejemplo muy actual de la dualidad relatada en el libro sería “El Club de la Lucha”, la película de 1999 protagonizada por Brad Pitt y Edward Norton.

Robert Louis Stevenson, escritor escocés nacido en 1850, escribió a lo largo de su corta vida algunas de las obras más destacadas de la literatura universal, como “La isla del tesoro” (1883), “La flecha negra” (1883), “El extraño caso del Dr. Jekyll y Mr. Hyde” (1886) o “Cuentos de los mares del Sur” (1893). Su vida estuvo marcada por su afición al alcohol, algo típico en los artistas del momento, y la tuberculosis, enfermedad que le hizo buscar un clima más saludable que el inglés y trasladarse a la isla de Samoa, donde falleció en 1894. No recuerdo haber leído ningún otro libro de Stevenson aunque conozco de qué van casi todos. Al menos este del Dr. Jekyll y Mr. Hyde es muy recomendable para todo tipo de lectores.

[...] Comprendí que había llegado el momento de que eligiese entre ambas. Mis dos personalidades tenían en común la memoria, pero las demás facultades se hallaban repartidas en una y otra de modo muy desigual. Jekyll (que era una personalidad compuesta) proyectaba y participaba en los placeres y aventuras de Hyde, unas veces con vivos recelos y otras con anhelo glotón; pero a Hyde le era indiferente Jekyll, o si se acordaba de él era como el bandido de la montaña recuerda la cueva en que se esconde cuando lo persiguen.

El culebrón de la Davis

Como muchos de mis visitantes sabéis, me gusta mucho el tenis y suelo seguir los torneos, sobre todo aquellos en los que participan jugadores españoles. En los últimos días, a pesar de que la competición no está ni mucho menos detenida, se ha producido un espectáculo lamentable al margen de las pistas con motivo de la elección de la sede para las semifinales de la Copa Davis.

Para los que no estén muy al tanto de lo ocurrido, explicar que España se encuentra ahora mismo en semifinales de esa competición por países, tras vencer el mes pasado a Alemania. Su próximo rival a batir para poder acceder a la final es Estados Unidos, mientras que por el otro lado del cuatro se disputan la otra plaza Argentina y Rusia. Como país anfitrión de su semifinal, España tiene total libertad para elegir la ciudad donde se debe jugar, el tipo de superficie y otros detalles de la eliminatoria. Lo lógico, y lo que hacen todos los países, es elegir las características más favorables para sus tenistas, sin dar ventaja al contrario.

Pues resulta que la Real Federación Española de Tenis (RFET) ha impuesto definitivamente la ciudad de Madrid como sede de los encuentros, localidad que no favorece en absoluto a los jugadores españoles. El motivo principal es que, de las cuatro candidatas (Benidorm, Gijón y Tenerife eran las otras tres) Madrid es la única que se encuentra sobre el nivel del mar, concretamente a 550 m. Esta altura hace que la pista sea más rápida y las bolas corran mucho más, situación que beneficia ampliamente a los tenistas estadounidenses.

El equipo español de Copa Davis ya tuvo su primer enfrentamiento con el actual presidente de la RFET, Pedro Muñoz, cuando éste impuso a Emilio Sánchez Vicario como seleccionador nacional en lugar del preferido de los jugadores, Albert Costa. A pesar de ello, Sánchez Vicario se ha puesto ahora del lado de sus tenistas, apoyándoles ante la unilateral actuación del presidente de la Federación en la designación de la sede de la eliminatoria contra Estados Unidos. Los primeros espadas del tenis español, junto con su capitán, hicieron pública una carta el pasado miércoles en la que manifestaban su rechazo a las decisiones “caprichosas y manipuladoras” de Muñoz y su negativa a participar en cualquier acto público de la RFET o de sus patrocinadores mientras él continúe en la presidencia.

Los tenistas que firman la declaración (Rafa Nadal, David Ferrer, Tommy Robredo, Fernando Verdasco, Juan Carlos Ferrero, Carlos Moyà, Feliciano López y Nicolás Almagro, todos ellos entre el puesto 2 y el 33 del Ránking ATP) aseguran que Muñoz ha incumplido el acuerdo que tenía con ellos para consensuar la sede de la semifinal, y que la decisión de que Madrid sea la ciudad elegida perjudica claramente a los intereses españoles. Dejan claro en todo momento que no están en contra de la ciudad sino de dar ventaja a su oponente, ya que el equipo americano es especialista en pistas rápidas y en Madrid jugará con mayor comodidad que en una pista al nivel del mar, donde las bolas son más lentas debido a la humedad. Casualmente, la Comunidad de Madrid es el patrocinador principal de la Copa Davis desde hace algunas semanas, hecho que según la federación no ha influido en la decisión de designarla como sede. Y nos lo creemos, claro.
Con esta situación, Pedro Muñoz ha hecho comentarios del estilo de que “no hay venganza más hermosa que el perdón”, por lo que mantendrá a Emilio Sánchez Vicario en su puesto de seleccionador nacional. Un comentario de lo más despreciable, para mi gusto. El propio Muñoz comentaba tras la “votación” de la junta (la primera votación secreta de la historia de la RFET) que en la elección de Madrid “el factor deportivo ha primado pero no de la manera definitiva que le prometí a los jugadores”. Hay que tener en cuenta que Gijón era la candidata que mejor valoración técnica tenía de las cuatro posibles; los tenistas sólo exigían que la sede estuviera al nivel del mar. Pero según el presidente era importante tener en cuenta también factores económicos, políticos y sociales. O sea, básicamente, ganar no es lo importante, sino que la cosa dé dinero y los políticos estén contentos. Yo alucino, francamente.

Los jugadores han demostrado mucha más clase en todo este asunto, sin negarse en ningún momento a representar a España en esa semifinal, independientemente de dónde se jugaran los encuentros. Nadal ha asegurado que la ciudad no supone ningún problema, porque en tierra seguirán siendo favoritos, pero que el problema continuará con Muñoz en el cargo. Por su parte, Ferrer ha comentado en su página web que, aunque para ganar a los americanos es preferible una pista lenta, jugarán donde les digan y lo darán todo por su país. El capitán español Emilio Sánchez ha tomado una postura conciliadora declarando que hay que aceptar que Madrid es la sede, intentar zanjar el asunto y prepararse lo mejor posible para la contienda.

La cita hacia la tercera ensaladera será el próximo mes de septiembre en la Plaza de Toros de Las Ventas, donde los españoles deberán enfrentarse al potente saque de Andy Roddick (más de 230 km/h), al correoso James Blake y a la mejor pareja de dobles del mundo, los hermanos Bryan, en una pista donde las pelotas botarán más de lo necesario. Menos mal que Muñoz, que tiene pinta de no entender demasiado de tenis visto lo visto, no ha impuesto que la superficie fuera moqueta, por eso de hacer juego con los palcos.

Los Cinco

Casi toda la gente de mi edad, sobre todo las chicas, recordarán con cariño los libros de "Los Cinco" ("The Famous Five"), una serie escrita por Enid Blyton desde principios de los años cuarenta. A lo largo de más de dos décadas, la escritora británica acercó a las niñas de alrededor de 10 años las aventuras de cuatro primos y un perro que vivían las más variopintas situaciones durante sus vacaciones.

Mañana 10 de mayo se celebra precisamente el Día de Enid Blyton, que la sociedad que lleva su nombre celebra con una serie de actos especiales en el Reino Unido. La Enid Blyton Society ofrece multitud de información y referencias de los libros de esta escritora, además de tienda online, juegos y foros de opinión.

Hace algunas semanas salió también el tema en el blog de Bea a raíz de unos muffins de ruibarbo que preparó, ya que los libros de "Los Cinco" nos descubrieron todos esos alimentos desconocidos por entonces en nuestro entorno infantil como la cerveza o los bollos de jengibre, la tarta de ciruelas o el pastel de carne. A mí me maravillaba que del jengibre se pudiera hacer igual una cerveza, que un pan, que un pastel. Ni me imaginaba cómo era ese ingrediente mágico ya que por entonces en España apenas se utilizaba y las enciclopedias no iban mucho más allá de la información botánica.

Esta semana vi una noticia sobre el estreno de la serie de "Los Cinco" en dibujos animados en la televisión británica, con una versión actualizada de los muchachos protagonistas. La compañía Disney, junto con la editorial de las novelas, han dado forma a un nuevo concepto de los jóvenes creados por Blyton para adecuarlos al mundo de hoy. Los modernos Cinco usarán teléfonos móviles, portátiles, escucharán música de moda y ya no comerán pasteles de jengibre (no, muy a nuestro pesar), sino que sus grandes festines serán a base de pizza, coca cola y otros productos más cercanos a la juventud de nuestro siglo.

Ya a finales de los setenta se hizo una adaptación de los libros de Enid Blyton a la pequeña pantalla, pero en forma de serie normal. Veinte años después se volvieron a rodar los capítulos pero con la misma estética de mediados del s.XX (y los panes de jengibre, por supuesto). Aunque la esencia de los aventureros jóvenes será la misma en esta última adaptación animada, los nuevos conceptos pretenden captar otra vez a ese público de entre 8-12 años que ya no lee tanto, aunque libros como "Los Cinco" siguen estando entre las obras literarias infantiles más vendidas en Gran Bretaña y otros países.

Enid Blyton, la autora de uno de los mayores entretenimientos de nuestras vidas es también la creadora de las famosas novelas de internados "Torres de Malory" y "Santa Clara" (sí, esos internados exclusivos en los que todas soñábamos con estar) y de otra serie de aventuras de gran éxito, "El Club de los Siete Secretos". Todos estos libros fueron escritos en la misma época y de corte similar a los protagonizados por "Los Cinco", con muchos diálogos y personajes con muchas virtudes y casi ningún defecto. Por eso, y por el machismo y racismo intrínseco de sus obras, la autora fue muy criticada, aunque no debemos olvidar que Blyton nunca salió del Reino Unido y vivió allí, dedicada a su jardín y sus animales, en una época en la que su país era todavía un imperio colonialista.

En total, escribió más de 700 títulos, orientados en su totalidad al público infantil y juvenil. Es curioso que yo pensaba que eran novelas muy breves, porque de pequeña me leía dos a la semana, por orden de numeración de la serie, pero vistas ahora he podido comprobar que a pesar de su simplicidad literaria tienen una extensión mayor de lo que recordaba. Definitivamente una con los años se atrofia o algo :P

Pues desde aquí mi pequeñito homenaje a "Los Cinco", a la cerveza de jengibre (que no he probado nunca pero juro que lo haré) y a todos los contrabandistas, secuestradores y villanos que encajaban tan bien en el papel de malo literario que era imposible crear confusiones en nuestras inocentes mentes de niño. A veces se echa de menos todo aquel mundo perfecto con el que las niñas de pueblo sólo podíamos soñar. Por cierto, las imágenes que ilustran el post pertenecen exactamente a la misma edición que yo leí de pequeña. Me ha hecho ilusión verlas :)

Joe Cocker

Aunque hace ya algún tiempo que no está en primera línea, Joe Cocker será siempre recordado como uno de los iconos del rock-blues de los ochenta. Parte de ese mérito lo tiene su tema "You can leave your hat on", con el que Kim Basinger alegraba su sensual striptease en la película de 1986 "Nueve semanas y media".

Este cantante y compositor inglés nació en 1944 en Sheffield, donde dio sus primeros pasos musicales formando parte de varias bandas siendo aún adolescente. En 1968 su nombre comenzó a sonar fuerte cuando versionó el famoso tema de The Beatles "With a little help from my friends", una de las muchas covers de éxitos del cuarteto de Liverpool que Cocker grabó por entonces. Participó también al año siguiente en el mítico Festival de Woodstock y en 1994 tomó parte en la celebración de los 25 años de Woodstock, siendo uno de los pocos artistas presentes en ambos eventos.

A pesar de sus problemas con las drogas y el alcohol en la década de los setenta, los ochenta devolvieron a Cocker la fuerza para recuperarse y volver a ser reconocido por su música, sobre todo a partir del tema "Up where we belong" que interpretó junto con Jennifer Warnes en 1982 para la película "Oficial y caballero" y que ganó el Oscar aquel año como mejor canción.

Aunque continúa publicando discos, superando ya la veintena, vive bastante apartado de la vorágine musical en un rancho en Colorado, participando sólo de vez en cuando en alguna gira o evento especial. Lleva una vida familiar intensa que comparte a través de su página web con sus fans, además de dedicar parte de su tiempo y dinero a una fundación infantil.

Con 63 años y esa voz aguardentosa tan característica, estoy segura de que el "Unchain my heart", tema que he elegido para ilustrar este post de Joe Cocker, sonará igual de bien ahora que cuando lo grabó en 1987.

Saw

Había oído y leído comentarios muy positivos de esta película, que volvió a poner de actualidad el género de terror de psichokillers. Cuando vi que empezaban a rodar secuelas como churros, no sabía si sorprenderme o asustarme. Antes de poder juzgar si eran pertinentes o no más historias sobre el misterioso asesino de "Saw" decidí ver la primera película de esta saga iniciada en 2004.

Bien, la experiencia no fue tan placentera como esperaba, normal tratándose de una peli de terror, pero es que ni siquiera fue tan terrorífica como tenía que haber sido. Desde el principio la sensación fue la de estar viendo un pastiche de "Seven" con toques de "Cube" y escenas de muchas otras películas de pirados rencorosos que preparan macabros juegos como venganza. En un principio no vi nada original ni novedoso en "Saw".

Sin embargo, tras ese descorazonador comienzo, la película se deja ver. El argumento es el típico sinsentido de cualquier otra película del género, que estaría bien si al menos consiguiera su objetivo de encadenar situaciones de tensión y miedo. Aún así no hay grandes defectos, a pesar de que las interpretaciones son un enorme lastre para el film, sobre todo la de un Cary Elwes al que hacía tiempo que no veía tan flojo y poco creíble, en un personaje mal perfilado y muy sobreactuado.

Aunque mi mayor miedo con "Saw" fue cómo iba a terminar. Sufrí pensando en ello desde recién empezada la película, aunque he de reconocer que fue precisamente el final lo que más me gustó de la cinta. Me sorprendió, aunque no me asustó, pero eso en comparación con el nivel flojillo del resto del metraje ya me pareció suficiente. Podrían plantearse cientos de preguntas lógicas (e incluso alguna ilógica) sobre otras tantas actitudes de los personajes pero preferí no hacerlo para no quitarle a la cinta el poquito encanto que ya le queda después de las partes que se caen por su propio peso.

En realidad no es una película mal hecha y la idea no es del todo mala, pero es que es un cúmulo de "está bien... pero", así que el conjunto alcanza un aprobado justo, quizás subido un puntito gracias al impactante e inesperado final. Tras ver la película entiendo que hayan querido aprovechar el tirón de un tema que no tiene fin, en una serie en la que sería fácil sustituir a un asesino sin escrúpulos por otro en caso de que se cargaran al primero. Lo de "el juego del miedo" les ha dado sin duda cancha para plantear situaciones cercanas a las pesadillas de otras películas de similar estilo, con muchos tópicos, un malo omnisciente que nunca se equivoca y, por lo tanto, que siempre gana.

El director de este remix basado sin duda alguna en el terror de los noventa es el australiano de origen malayo James Wan, un joven cineasta que me da que abusa un poco de los muñecos, las máscaras y los payasos en sus películas como fuente principal del horror. Wan ideó también la historia original de "Saw" para un corto en 2003 junto con su amigo Leigh Whannell, que también tiene un papel protagonista en el primer largometraje de la saga. Posiblemente el corto de 9 minutos sea perfecto en comparación con la cantidad de escenas ridículas que se le añadieron al guión para convertirlo en película larga. Si es que a veces las cosas es mejor no tocarlas...

En fin, es una película entretenida pero que nadie espere nada más allá de la fiebre "saw" con macabros jueguecillos perversos, que ya va por su quinta entrega y su primer videojuego. A James Wan le está resultando lucrativo el "Puzzle". En esta web hay más información e imágenes sobre la película, aunque cuidado que hacen más spoilers que yo :D

Fast food con etiqueta

Esta semana vi la noticia de que una ley obligará a los restaurantes de comida rápida de Nueva York a mostrar las calorías de cada uno de sus productos. Todas las cadenas con más de 15 establecimientos deberán incluir en sus cartas la información sobre las calorías de cada menú, con el mismo tamaño de letra que el nombre y el precio. Cada producto deberá ir acompañado de una etiqueta que relacione cuánta energía estamos aportando exactamente a nuestro cuerpo comiéndonos eso.

Aunque algunas grandes compañías como Starbucks Coffee ya han aplicado la norma, otras como McDonald's (la empresa de comida rápida más grande del mundo) o Dunkin' Donuts se muestran reticentes y han recurrido ante varios tribunales esa obligación. De hecho, algunos jueces se han mostrado en contra de aplicar esta nueva ley, alegando que también en las cajetillas de tabaco figuran varias advertencias sobre la salud y la gente sigue fumando.

Personalmente creo que la norma no afecta negativamente a los fieles consumidores de comida rápida, que seguirán comiendo lo mismo ponga lo que ponga en esa información adicional y, sin embargo, sí mejorará el consumo de aquellos que ya se preocupan por su salud que podrán decidir entre un producto u otro según las calorías que contenga. Aún así, el hecho de informar sobre las calorías no creo que sea lo más necesario en un etiquetado. En mi caso, por ejemplo, sería mucho más útil aportar datos sobre el tipo de grasa utilizado para cocinar el producto.

En la mayoría de los países existen normas acerca del etiquetado de alimentos. Esta información sobre la composición de los productos es necesaria (imprescindible, diría yo) para personas con intolerancia o alergias a determinados ingredientes, como el gluten, la lactosa o la sal. En mi caso, he de mirar las etiquetas para comprobar la cantidad de colesterol que contiene cada producto, dato que en muchos casos no figura especificado. En muchas ocasiones, al comprobar los ingredientes de un alimento, me encuentro con la generalidad "grasa vegetal", algo que para los vegetarianos puede ser un punto a favor a la hora de elegir esa compra, pero para mí es una vaguedad que me obliga a no comprar. Aunque el colesterol se encuentra casi exclusivamente en productos con origen animal, hay dos excepciones que hacen muy difícil la elección de muchos alimentos: el aceite de palma y el de coco, por desgracia ambos incluidos muy habitualmente en pastelería, galletas y platos preparados.

En 2006 el libro "Fast Food Nation" fue adaptado en forma de película precisamente para alertar sobre la influencia de la industria estadounidense en las comidas rápidas, que ya están invadiendo la gastronomía de muchos países con dietas tradicionalmente más saludables como España o Japón. Estados Unidos tiene en los últimos años un serio problema con la comida rápida. El año pasado un tercio de los menús degustados en Nueva York se sirvieron en restaurantes "fast food", dato indicador del ritmo de vida americano. Alrededor del 25% de los estadounidenses son obesos mientras que casi la mitad de la población tiene sobrepeso, situación que está propiciando una mayor incidencia de enfermedades asociadas como los problemas cardiovasculares o de huesos y la diabetes.
En nuestro país, las cifras de obesidad se sitúan sobre el 15% de la población, tasa que aumenta peligrosamente en el sector infantil. La Agencia Española de Seguridad Alimentaria y Nutrición (AESAN) ya ha puesto en marcha varias iniciativas para luchar contra esas malas influencias, como la de promover menús más sanos en los 26.000 establecimientos adheridos a Ticket Restaurant para el 26% de españoles que cada día debe almorzar fuera de casa. Entre la oferta de estos menús del proyecto Gustino deberán encontrarse primeros platos con verduras, hortalizas o legumbres, al menos una opción de pescado como segundo plato y fruta fresca o zumos naturales en el postre.

Además de que la mayoría de nosotros ingerimos una cantidad de calorías muy superior a la que necesitamos cada día, somos incapaces de quemar esas calorías de más debido a la falta de actividad física. Leer en cada menú las calorías que consumimos no nos va a ayudar a mejorar eso, pero sí puede colaborar a mejorar nuestras elecciones gastronómicas. Algunos pensarán que esa opción puede fomentar los desarreglos alimenticios como la anorexia o la bulimia, al tener una constante preocupación sobre lo que comemos. Como creo que puede haber diversidad de opiniones sobre el tema, he dedicido abrir una nueva encuesta (lateral derecho) acerca de este etiquetado de la comida rápida y comprobar si esa norma tiene o no aceptación popular. Gracias por tu voto :)

Samaritan girl

Tenía esta película pendiente desde hace tiempo. NimRi, amigo y visitante habitual de este blog, ha recomendado por aquí en varias ocasiones el cine del director coreano Kim Ki-duk y, después de ver "Samaritan girl" puedo decir que vale la pena adentrarse en sus películas. En "Samaritan girl", dirigida en 2004, se plantea uno de los temas más controvertidos de nuestra actual sociedad, tanto en Corea del Sur como en otros muchos países del mundo: la prostitución infantil. Pero, a pesar de la crítica de fondo que tiene la cinta, no se posiciona moralmente, algo que se agradece, sino que muestra una serie de sentimientos directamente derivados de esa situación.

*** Spoilers! ***

Yeo-jin y Jae-yeong son dos amigas adolescentes que deciden prostuirse para obtener algo de dinero y poder viajar. Mientras la primera gestiona las citas, vigila que la policía no trunque el encuentro y controla el dinero, la segunda se acuesta con los clientes, desquiciando a su amiga por su "humanización" del trabajo que hace. Yeo-jin se muestra celosa y desprecia a los hombres que las buscan, por los que sin embargo siempre se interesa Jae-yeong más allá del puro sexo.

En un despiste de Yeo-jin, la policía descubre a su amiga en el hotel de citas, quien se arroja por la ventana para evitar ser detenida. Herida de muerte, Jae-yeong pide ver a uno de sus últimos clientes, que sólo accede a acudir al hospital cuando Yeo-jin le ofrece también su cuerpo. La chica, incapaz de comprender el cariño que esos hombres despertaban en su amiga y su interés por hacerlos felices, inicia un recorrido por su agenda para devolverles el dinero de cada servicio y así alejar de ella la culpa en la muerte de Jae-yeong.

Comienza así un viaje casi espiritual en el que la joven se entrega a hombres mucho mayores que ella con el único objetivo de comprender por qué lo hacía su amiga. No les cobra, les devuelve el dinero pagado anteriormente y con ello alcanza el convencimiento de que está creando mejores personas, como ciertamente parece estar ocurriendo. Pero un día su padre, un policía viudo y volcado plenamente en su hija, la ve con uno de los clientes en un hotel y enloquece. Acosa a todos los hombres que ha visto con su hija, les agrede provocándoles vergüenza pública e incluso los incita al suicidio sin que su niña se entere de nada. En su desesperación acaba matando a uno de ellos, con lo que calma su obsesión hasta que comprueba el sufrimiento de su hija con la situación.

La película termina de un modo extraño, con un padre vencido que se entrega a la policía y una hija abandonada (o liberada, según se mire) en medio de la nada, que no sabe lo que su padre sabe y vive en su mundo infantil. Se distinguen claramente los dos universos de la adolescente, su parte de colegiala, sus juegos de niña, y por otro lado su acceso al mundo adulto a través del comercio del sexo. Es una visión violenta para los espectadores, la mezcla de la ingenuidad con el deseo provocado por la samaritana, que finalmente no encuentra nada asqueroso ni depravado en dar placer a aquellos hombres que despreciaba al principio. No puede ver nada inapropiado en un acto que ella considera una redención, algo que sí puede ver un adulto.

*** Fin de spoilers! ***

La estructura formal de la película está dividida en tres partes: "Vasumitra", "Samaria" y "Sonata", las tres correlativas y perfectamente relacionadas. La narración es totalmente coherente y no se dispersa como ocurre en otras películas orientales. La historia tiene la suficiente fuerza para enganchar desde el primer momento, sobre todo por lo polémico del tema y la manera abierta de abordarlo, a pesar de no verse en ningún momento sexo explícito. Visualmente sí que cuenta con escenas típicas del cine asiático, coloristas y en cierto modo oníricas, aunque mucho más cortas y ajustadas al estilo de la cinta.

Personalmente me ha gustado mucho la película, me ha cautivado desde el principio y me ha mantenido permanentemente en un debate a favor y en contra de la desesperación del padre y la inocencia de la hija. Las interpretaciones son mucho más expresivas que en el cine japonés, para mi gusto, lo que hace también que se transmita mucho más. La película no aburre y, aunque como digo el final es un tanto extraño, la progresión del conjunto es más que notable. Me parece un valiente ejemplo de cine, original, arriesgado y con su justa dosis de sentimientos, una película muy completa. Me gusta especialmente que no tiene ánimo de denuncia moral ni social como tal, a pesar de lo escabroso del argumento, sino que sólo pretende mostrar esta realidad perturbadora desde varios puntos de vista en un pequeño trocito de ficción.

El surcoreano Kim Ki-duk, nacido en 1960, ha dirigido más de una docena de films de los que también ha sido guionista. Muchas de sus películas también las ha montado y producido él mismo, lo que lo convierte en todo un hombre del Renacimiento. Su cine es en general provocativo y con propuestas muy interesantes, con presencia habitual de temas violentos y marginales. Sus películas han sido muy premiadas en varios festivales, incluyendo algunos españoles como Las Palmas, Valladolid o San Sebastián.